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Música

James Blake es un productor, compositor y cantante británico de música electrónica. Se trata de un artista joven pero, en mi opinión, con mucho futuro por delante. Su música, calmada, pacífica, cargada de expresión, consigue introducirse en lo más profundo y fluir, hacer vibrar, aliviando la mente de pensamientos negativos.

Sin embargo, esta entrada no es sólo una recomendación de su música, pues no era eso sólo lo que me llamó la atención. En primer lugar, fue la portada del disco que lleva su nombre, y posteriormente el videoclip de la canción “The Wilhelm Scream”. Encontré una clara inspiración en dos corrientes artísticas.

(Versión de la portada del CD de James Blake)

Por un lado es clara la influencia de una técnica del Futurismo, el Dinamismo plástico. Ésta consiste en la representación en una única imagen de las diferentes fases del movimiento de uno o varios elementos. Da así la sensación de dinamismo, energía, intensidad. Por otro lado está el juego de colores propio de la Lomografía, corriente fotográfica experimental.

Estas inspiraciones pueden verse además en el videoclip de la canción “The Wilhelm Scream”. Es curioso que este dinamismo no sea palpable sólo en las imágenes, sino en el sonido, que genera un coro de voces, un eco de “gritos”,…

Además, ya no como relación artística entre la pintura, fotografía y música, sino como recomendación musical, quiero compartir otra de sus canciones, “Limit to your love”, la cual considero una de sus mejores.

Es por lo tanto una sugerencia musical, una búsqueda de un vínculo entre dos Artes y sus posibles influencias, pero sobre todo un “grito de Wilhelm”, una súplica de paz y tregua para que su música nos traiga paz y calma en un momento en el que los pensamientos negativos parecen no poder fluir…

Quiero dedicar esta entrada a hablar de la relación que existe entre muchas portadas de discos de vinilo y obras de arte. Es conocido que muchos artistas se han inspirado en obras existentes previamente al realizar el diseño de las portadas, pero no es este el caso que me gustaría tratar. Más bien quería hablar de portadas de discos que han sido realizadas expresamente por artistas de reconocido prestigio con esa única finalidad. Muchas veces esta unión es consecuencia de la amistad existente entre el pintor y el músico.

Empezaré por citar algún ejemplo muy conocido, como es el caso del disco de The Velvet Underground & Nico 1967, diseñado por el famoso pintor del Pop, Andy Warhol.

 

(The Velvet Underground & Nico, 1967. Andy Warhol)

Otros dos ejemplos más recientes son Potro de rabia y miel de Camarón, 1991, obra del mallorquín Miquel Barceló; y Best of Blur de Blur, 2000, del artista londinense Julian Opie.

 

(Potro de rabia y miel, Camarón, 1991. Miquel Barceló)

(Best of Blur, Blur, 2000. Julian Opie)

Pero el caso que más me interesaba tratar por proximidad geográfica y sentimental (en el sentido de conocerlos por haberlos tenido y escuchado en casa) es el de dos artistas de la Nova Cançó, que para aquellos que no lo conozcan fue un movimiento musical que surgió durante el Franquismo para reivindicar el uso del catalán y protestar contra las injusticias de la dictadura. Los dos artistas a los que me refiero son el valenciano Raimon y la mallorquina María del Mar Bonet.

En lo referente a Raimon quería mencionar tres portadas muy conocidas que fueron realizadas por dos de los pintores españoles más importantes del siglo XX, Joan Miró y Antoni Tàpies. Así, Joan Miró diseñó las portadas de Cançons de la roda del temps, 1966 y Quan l’aigua es queixa, 1979; mientras que Tàpies realizó el diseño de Per destruir aquell qui l’ha desert, 1970.

(Cançons de la roda del temps, Raimon, 1966. Joan Miró)

(Quan l’aigua es queixa, Raimon, 1979. Joan Miró)

(Per destruir aquell qui l’ha desert, Raimon, 1970. Antoni Tàpies)

Respecto a la cantante Maria del Mar Bonet quería nombrar su tercer trabajo realizado en 1974 y que lleva el título de su propio nombre, que fue diseñado por Joan Miró y está considerado como una de las obras maestras del diseño discográfico español.

(Maria del Mar Bonet, 1974. Joan Miró)

Me gustaría compartir un vídeo en el que la obra de arte se emplea como fuente de inspiración. Se trata del videoclip de Madonna Bedtime Story.

Dirigido por Mark Romanek en 1994, es considerado uno de los vídeos musicales más artísticos, sobre todo dentro del Surrealismo. Tanto es así que fue adquirido por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA).

La magia surrealista del videoclip está inspirada en la obra de tres artistas femeninas surrealistas del siglo XX: Leonora Carrington, Remedios Varo y Frida Kahlo. Madonna es una gran admiradora de estas artistas e incluso posee algunos de sus cuadros.

Madonna aparece tumbada en el centro una habitación futurista, donde  se le inyecta una sustancia alucinógena que le hace sumergir en un profundo sueño, logrando entrar en su subconsciente. El argumento del vídeo es el sueño, en el cual se mezclan un sinfín de elementos simbólicos que son muy difíciles de analizar.

Entre estos elementos podríamos destacar la escena en la que aparece Madonna embarazada y de cuyo vientre salen muchas palomas volando, inspirada en La giganta, de Leonora Carrington.

(La giganta, Leonora Carrington)

(La giganta, Leonora Carrington)

También deberíamos destacar una segunda escena en la que Madonna representa a 2 mujeres tomadas de la mano sentadas en un estanque, y cuyas cabezas han sido sustituidas por espejos.  Esta escena se inspira en Los amantes, de Remedios Varo.

(Los amantes, Remedios Varo)

La influencia de Frida Kahlo la encontramos en la escena en la que el rostro de Madonna aparece deformado, con los ojos y la boca cambiados de lugar. Sin embargo, en esta ocasión no se inspira en una obra concreta suya.

Otras elementos simbólicos que podríamos destacar son el ángel caído con las alas cortadas, elemento religioso; la muerte simbolizada en un esqueleto; los Derviches que giran en torno a sí mismos para llegar a una especie de éxtasis y acercarse a Dios; referencias a otras culturas como inscripciones egipcias y árabes; e incluso un tributo a la película Stalker de Andréi Tarkovski, con la escena en la que un niño mueve jarrones con su mente.

¡Disfrutad!

Quería dedicar una entrada a otro ejemplo donde se utiliza una obra de arte como inspiración directa. En este caso estoy hablando de Coldplay, y de cómo han usado en algunas carátulas de sus discos imágenes de algunos cuadros muy conocidos. El primero es la portada de su cuarto álbum, que lleva el título de “Viva la Vida or Death and All His Friends”. Es una portada bastante conocida por todos, y en ella vemos, detrás del título, un fragmento del cuadro “La Libertad guiando al pueblo” de Eugène Delacroix, de 1830.

Es un cuadro alegórico, donde podemos ver a la figura de la Libertad como protagonista del cuadro, representada por una mujer que sostiene con una mano la bandera francesa, y un fusil en otra. La figura es una alegoría de la Libertad, pero también representa a Francia. Eugène Delacroix, (1798-1863) fue un pintor francés al que podríamos clasificar dentro del Romanticismo, y éste es uno de sus cuadros más famosos. Es un cuadro mundialmente conocido que se conserva en la actualidad en el Museo del Louvre.

El segundo ejemplo es también de Coldplay. Siguiendo el estilo de la primera carátula, lanzaron un EP titulado “Prospekt’s March” y para su carátula utilizaron un fragmento del cuadro “La Batalla de Poitiers” también de Delacroix.

Sobre Coldplay, querría decir que no es uno de mis grupos favoritos, solamente he escuchado alguna canción suya, y me quedo con algunas de sus canciones de sus primeros discos (Speed of sound, Fix You, Violet Hill). Creo que, al igual que muchísimos grupos, al ganar en popularidad han perdido en calidad musical y se han convertido en productores de música demasiado comercial. Pero, para gustos colores.

En cuanto a las carátulas, personalmente me parecen muy llamativas ambas, siempre está bien promover la contemplación del arte y de la pintura; si además se junta con música mucho mejor. Creo que las portadas de los discos son una excelente forma de aunar arte, publicidad y música; y éstos han estado íntimamente ligados desde la creación de los primeros vinilos y por lo tanto, de las primeras carátulas.

Sin duda, un artista importantísimo en la creación de portadas e íntimamente ligado a la cultura pop y el New Wave es Andy Warhol. Sobre él intentaré hablar en otra entrada, porque estas ya no son horas, y además se merece una entrada para él solo.

Otro tema del que me gustaría hablar, pero mis párpados no me lo permiten, es el de los videoclips musicales, y el hecho de que son otra forma de arte. De nuevo, se merecen como mínimo una entrada aparte. ¡Buenas noches!

(A la izquierda, Django Reinhardt; a la derecha, Julian Bream)

A ellos les une dos grandes pasiones, las mismas que me unen a mí a ellos, la música y la guitarra.

Os dejo un vídeo en el que Julian Bream habla, toca una pieza de música clásica y participa en una Jam Session interpretando un tema de Django Reinhardt. Este vídeo plasma mejor que nada la unión mencionada, unión que puede sorprender sobre todo al conocer las distintas trayectorias que han seguido en su vida. Por un lado, Django Reinhardt, considerado como uno de los mejores guitarristas de jazz, de origen humilde y con apenas formación musical (no sabía leer música). Por el otro, Julian Bream, criado en un ambiente musical (hijo de músico), formado en la Royal College of Music, considerado como uno de los mejores guitarristas clásicos del mundo.

El tiempo pasa, todo cambia.

Cómo me gustaría haber vivido tiempos ya pasados, que se me escaparon y ya no volverán. Ver lugares que ya hemos destrozado, vivir culturas ya extinguidas o mundos utópicos que ya no interesan a nadie. Menos mal que la música nos da la ocasión de escapar, visitar momentos no vividos… Porque una canción te puede transportar lejos, allá donde tú quieres ir. Imaginar por un momento que vives en los 70…

Imagine (John Lennon, 1971)

Imagine all the people

Living life in peace

You may say I’m a dreamer

But I’m not the only one

Maybe someday you will join us

And the world will be as one

London calling (The Clash, 1979)

The ice is coming, the sun is zooming in

engines stop running and the sheat is growing thin

a nuclear error, but i have no fear

London is drowning and I live by the river

London calling to the imitation zone

forget it, brother, and go alone