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Fotografía

Quería dedicar la entrada de hoy a una exposición que visité hace unos días. Se trata de parte de la obra del pintor valenciano Salvador Montó, expuesta en la Galería Puchol. Para aquellos interesados en ir, la galería está en la calle Conde Salvatierra, 32; y la exposición del pintor estará hasta el 5 de enero. Es una exposición a la que acudí sin investigación previa del artista, y aunque en mi anterior entrada defendí la idea de que siempre es positivo investigar previamente sobre un museo o exposición, en este caso quizá el no saber nada sobre el artista resultó en una mayor impresión positiva al contemplar su obra en la galería.

Nada más entrar en la galería me encontré con un cuadro fantástico, que según me contó la dueña de la galería, acababa de ser vendido y era el último día que iba a estar expuesto. Después de ver todas las obras de la galería, éste primer cuadro fue el que más me gustó. No sólo por el propio cuadro, que personalmente me parece fascinante en todos los sentidos (color, formas, textura, tramas, tema, luz); pero también porque fue mi primera impresión de toda la obra del pintor, y un resumen de la misma.

Manhattan. Salvador Montó ©

 A lo largo de la galería encontramos distintos temas y tipos de obras. Las primeras obras que vemos, incluyendo el primer cuadro, podían estar englobados en cuadros de vistas urbanas. Montó tiene una particular fascinación por dos ciudades en particular: Nueva York y Roma. De Nueva York encontramos una enorme cantidad de obras, entre las que destacan las múltiples vistas aéreas de los rascacielos y distintos sitios y edificios emblemáticos de la ciudad americana.

Serie de Nueva York. Salvador Montó ©

También cabe destacar que parte de estos cuadros están dedicados a museos de estas dos ciudades, que son el MoMA de Nueva York, y el MAXXI (Museo de Arte Moderno de Roma). Son obras estrechamente ligadas a la arquitectura, siendo ambos edificios obras impresionantes de arquitectura moderna. El MoMA, del arquitecto japonés Yoshio Taniguchi; el MAXXI de la angloiraquí por todos conocida, Zaha Hadid.

Serie de museos: MOMA y MAXXI. Salvador Montó ©

Aunque no estaban expuestas en la exposición que visité, averigüé al llegar a casa que Salvador Montó también ha realizado una serie de estudios sobre obras del arquitecto japonés Tadao Ando, que me parecen muy interesantes también.

Serie sobre Tadao Ando. Salvador Montó ©

Siguiendo dentro de su pintura, encontramos una serie de retratos de personajes históricos: Jackie y John F. Kennedy, la actriz Liz Taylor… Son protagonistas de portadas de revistas, que se convierten en una excusa para el pintor para hablarnos de las relaciones humanas, del tiempo, la sociedad y la evolución. Todo ello conseguido a través de una influencia estética del pop art, y vinculado a elementos pictóricos que emanan de la publicidad, el arte y el diseño. Personalmente me parecen cuadros tremendamente impactantes y visualmente muy atractivos.

Salvador Montó ©

También encontramos cuadros de temática más variada, como paisajes de playa, bodegones …

Salvador Montó ©

Finalmente, en la exposición también pude ver una serie de fotografías donde el artista ha fusionado digitalmente imágenes de vistas urbanas y una serie de retratos, en un resultado muy interesante que también recuerda de alguna forma a sus propias pinturas.

Salvador Montó ©

En cuanto al discurso expositivo, creo que es bastante efectivo y acertado. El espacio expositivo es un ancho pasillo que desemboca en una pequeña sala. Los cuadros, agrupados en torno al tema de la obra, cuelgan de las paredes blancas, a ambos lados del pasillo y en la sala, permitiendo un recorrido perimetral muy cómodo a la hora de disfrutar de las obras. La iluminación consiste en unos focos que cuelgan del techo desde la mitad del pasillo y que iluminan las obras directamente.

Fotografías propias de la sala de exposición.

Sobre el autor, Salvador Montó nació en Valencia en 1963 y ha obtenido numerosos reconocimientos a nivel nacional, como el premio Caja de Madrid o el premio Osborne. También ha expuesto en numerosas ciudades europeas y americanas desde 1992. La exposición ha causado expectación porque hacía 6 años que el pintor no exponía en Valencia. Como ya he comentado, gran parte de su obra gira en torno a las dos ciudades de Nueva York y Roma, que ha visitado en numerosas ocasiones. Su obra queda englobada dentro de la neofiguración, y se caracteriza por una pintura que juega entre el realismo y las manchas de color.

Montó afirma que “la única pintura que merece ser apreciada, es la buena pintura, ya se trate de figuración o abstracción” y en ese sentido le gusta ser un pintor honrado: “Yo procuro pintar el cuadro que a mí me gustaría ver”, señala. Sus cuadros no persiguen ninguna crítica social, sino el placer estético de las formas, colores y volúmenes; aunque bien es cierto, muchas de sus obras pueden admitir distintas lecturas.

Como conclusión, diré que es una exposición que me gustó mucho, y que por ello recomiendo a todos que vayáis a verla. Quizá lo que más me gustó de su obra es el placer artístico que produce, y el hecho de que pueden ser comprendidas a distintos niveles, pero sobre todo el hecho de que es muy accesible al público, obras fácilmente comprensibles por cualquiera.

Ahora que estamos todos de compras navideñas, os aconsejo a aquellos que os encontréis por el centro, con un rato de tiempo libre, que os paséis por esta magnífica exposición.

La revista LIFE realizó en 1949 una serie de fotografías a Picasso dibujando con luz. Si, con luz. Le dijeron que en un experimento habían puesto a patinadores sobre hielo unas pequeñas luces en los patines, y que se creaban figuras y estelas llamativas. Le gustó la idea y cogió una pequeña linterna, con la que comenzó a crear figuras y la obra de arte llamada “Picasso: drawing with light”.

El resultado fue muy de la línea de Picasso, con sus figuras reconocibles de sus cuadros. La verdad es que curioso, como conseguir todo eso con una simple linterna. Yo de pequeña cogía el láser y me gustaba ver como se formaban círculos y estelas, pero llegar a conseguir este tipo de figuras es algo difícil y de artista.

Las fotografías las hizo Gjon Mili en Vallauris, Francia. La cámara empleada fue una de larga exposición, para poder captar los dibujos efímeros. La última imagen que os dejo es la que más me gusta: por el color y por que se puede a Picasso por duplicado, seña de la cámara empleada, y que le da un toque distinto al resto de fotografías.

Hace ya un tiempo que había visto esta exposición de Nieves Torralba anunciada en las pantallas del autobús, pero nunca me decidía a visitarla. Así que, tras una búsqueda previa sobre la artista y la propia exposición (siempre creo que es importante informarte sobre las exposiciones que vas a ver), me armé con mi cámara, 12 capas de ropa para protegerme del frío siberiano que nos asola ahora mismo (quizá esté exagerándolo ligeramente), y me decidí a visitar la exposición.

Fotografía propia del cartel de la exposición, 17/12/2011

La exposición se encuentra dentro del Centre Cultural “La Nau”, del que hablaré más adelante. La propia muestra ocupa una pequeña sala del recinto, y es una exposición relativamente pequeña. Después de una pequeña antesala donde se nos presenta la exposición, accedemos a la sala de exposición, donde encontramos las cuatro paredes repletas de las obras. En dos de ellas encontramos los cuadros expuestos de forma habitual, con su marco y colgados. En las otras dos, sin embargo, las propias obras están pintadas directamente sobre las paredes. Como no se podían realizar fotografías de las propias obras, os pongo unas que he encontrado por internet, tanto de las obras como la propia sala de exposición.

Káktos spirallis, 2011. Nieves Torralba (c). Lápiz de grafito sobre papel. 70x50cm.

Ésta es la obra que más me gustó de toda la exposición, probablemente porque no está sujeta a la simetría tan rígida que vemos en alguna de sus otras obras. También porque visualmente fue la que más me impactó.

Nieves Torralba, 2011 (c)

Personalmente, me gustó la exposición. Me parecen pinturas tremendamente atractivas desde un punto de vista artístico, y me resultan muy llamativas las formas geométricas que resultan de las mismas. También me pareció muy interesante el juego de luces y sombras, el uso del blanco y negro, los contrastes de los tonos, y la creación de volúmenes. Son cuadros claramente inspirados en las formas de las plantas. Según pude investigar, Nieves Torralba lleva a cabo un estudio previo delante de las propias plantas, para más tarde elaborar su propia versión de las mismas.

En la línea de Henri Matisse y Paul Klee, que defendían un arte que no es ni copia, ni interpretación de la realidad; sino como una obra plástica por sí misma. Como dijo Klee, “el arte no reproduce lo visible; hace visible”. Me parece que esto es algo que la artista ha conseguido de forma espectacular, y resulta pues en un arte que no es figurativo ni tampoco abstracto, y que personalmente me parece muy singular.

Nieves Torralba, 2011 (c)

También me parecen interesantes las técnicas con las que están pintados los propios cuadros. Todos los cuadros están pintados con punta de plata o grafito, pero muchos de los resultados que vemos en la propia exposición son resultado de una impresión digital de los mismos sobre tamaños y soportes mayores. La diversidad de técnicas empleadas, incluyendo también los propios dibujos sobre las paredes, dota de una mayor riqueza artística a la exposición, sin abandonar el tema común de la exposición.

Nieves Torralba, 2011 (c)

Según explica la propia autora, y el comisario de la exposición Víctor Zarza, el título de la exposición, r, actúa como un signo, que nos introduce a un juego semántico en la percepción del conjunto artístico. “Se trata de un juego indeterminado, sugerido únicamente por ser esta letra la inicial de una serie de palabras que se van convocando (raíz, rama, rito, recuerdo, roturar…) y de cuyas múltiples connotaciones (pues tal es el ámbito de intervención de esta propuesta) la artista espera propiciar una recepción activa de lo expuesto por parte del espectador, confiando en las posibles asociaciones de toda índole (emotiva, intelectual…) que pudieran despertarse o activarse en su pensamiento.” Es decir, el objetivo de la exposición es evocar una serie de memorias en el observador, para conseguir un vínculo con él. He de decir, que personalmente, no me afectaron de tal manera las obras. Sea por la razón que sea, no consiguieron despertar en mí recuerdos ni asociaciones a antiguas memorias. Pero ello no le quita mérito a la exposición, y me siguen pareciendo obras tremendamente atractivas visualmente. Puede que otros sí que sientan esta conexión con las obras, os animo a visitar la exposición para que me contéis qué vínculo sentisteis vosotros.

Fotografías de la exposición, http://www.uv.es/cultura/c/docs/exprnievestorralba11cast.htm

Sobre el propio discurso expositivo, personalmente me pareció correcto. La iluminación constaba de una serie de focos pegados al techo, un techo bastante alto, que proporcionaba una luz directa que permitía la correcta observación de las mismas. Las paredes eran blancas, a excepción de las de la pequeña antesala, que eran de la piedra original del edificio. En ambos casos, se creaba un plano neutro sobre el que destacaban las obras.

Fotografías de la exposición, http://www.uv.es/cultura/c/docs/exprnievestorralba11cast.htm

La obra de Nieves Torralba se encuentra dentro del Centre Cultural “La Nau”, el antiguo edificio de la Universidad, que se encuentra en la Plaza del Patriarca, a escasos metros de la Iglesia del Corpus Christi que visitamos con la clase de Historia. El edificio comenzó a construirse a principios del s. XVI, pero fue destruido parcialmente durante la Guerra de la Independencia. Más tarde fue reconstruido en 1839, conservando algunas dependencias originales.

Fotografía propia del patio central, 17/12/2011

Hasta hace unos años, actuaba como universidad, pero a día de hoy es un espacio cultural que contiene numerosas exposiciones de muy diversos ámbitos artísticos y culturales. Es un edificio que está llevando un proceso extenso de restauración, tanto en su interior como fachadas. Personalmente, me gustó mucho el propio edificio, y sobre todo el patio central, con una serie de columnatas, por el cual se acceden a las distintas exposiciones. Personalmente, me pareció una exposición interesante, pero no más allá de un punto de vista gráfico; como he dicho, no me proporcionó los recuerdos y memorias que presuntamente están destinadas a producir. Sin embargo, creo que una obra de arte no tiene por qué crear este vínculo con el espectador, y no por ello ser obras de peor calidad artística.

Un hecho que por un lado siempre me ha entristecido, pero que por otro me ha hecho valorar cada detalle es que una vez abandonemos nuestra existencia dejaremos trozos de tierra sin pisar, libros sin leer, canciones sin escuchar, y Arte en general sin descubrir, que podría habernos hecho sentir, haber significado e incluso influido en nuestras vidas de un modo que nunca sabremos ni disfrutaremos. Es por ello que cuanto más conocemos, más queremos encontrar, más necesidad tenemos de hallar sensaciones y emociones con las que sentirnos identificados.

Me atrevo a decir que llegados a cierto punto (ya sea de madurez o cultura), necesitamos encontrar artistas nuevos, artistas desconocidos por descubrir que nos aporten unas vibraciones especiales, exclusivas, que sólo conozcamos nosotros, respecto a un entorno cercano. Realmente creo que llega ese momento en el que tratas de buscar Arte con el que identificarte de una forma “no-masiva”. ¿Cuántas canciones no llegaremos a escuchar nunca y habrían conseguido hacernos vibrar, o cuántas fotografías nos habrían abierto la mente, hecho sentir, o incluso ayudado a tomar una decisión importante?

A menudo, cuando pensamos en exposiciones, nos imaginamos salas en las que las obras de Arte se encuentran físicamente, entre las cuales paseas, interactuando en cierto modo con ellas. Pero por suerte, toda esta fuente inagotable de culturas, de ideas y de Artes convive también en Internet, permitiéndonos llegar a lugares inimaginables. Es por ello que he decidido seleccionar una serie fotografías de exposiciones que se realizan online, organizadas y formadas por artistas “anónimos”, cuya capacidad creativa es indudable. Es un modo de unificar el Arte internacional, de forma enriquecedora y accesible a todos nosotros.

En primer lugar, una exposición sencilla en el contenido, pero potente en su conjunto. Es decir, si tomásemos cada fotografía por separado, probablemente nos resultarían pobres, no por la composición ni la técnica, sino por la idea que transmite. Sin embargo, unidas adquieren un sentido artístico. Es por lo tanto, un modo de compartir cada talento, unirlo y formar un único Arte.

(Fotografías, de izquierda a derecha: Vandalized Stop Sign in Montreal, Antonio Lacovelli; Art, Fotologic; Arts, Pbo31).

Se trata de “Word Art” (http://www.flickr.com/photos/chrysti/galleries/72157622388448970/with/240543580/#photo_240543580), creada por ArtByChrysti. Es un conjunto de imágenes en las que se puede observar la palabra “Art” consiguiéndose con el encuadre fundamentalmente, jugando con la fragmentación de la realidad, o en el ingenio de los vándalos al transformar la señal de Stop en la que aparecía “ARRET” en “ART”.

Siguiendo esta línea en la que se unen las palabras con la fotografía está la exposición “Messages”, de SusannahConway (http://www.flickr.com/photos/inkonmyfingers/galleries/72157622707194758/). Se trata de una serie de mensajes, en su mayoría positivos, transmitidos de una forma sencilla, directa, espontánea. Curiosamente, la mayoría de las fotografías son instantáneas, lo que ayuda a que esas notas sean más personales. Es una exposición en la que su encanto radica precisamente en su claridad y simplicidad.

(Fotografías, de izquierda a derecha: (dos primeras) Sin título, Harpy; Send your love, Milkysoldier; Sin título, Harpy.)

Una exposición que me ha llamado especialmente la atención es “In search of inspiration” (En busca de la inspiración, http://www.flickr.com/photos/teepee1/galleries/72157622251360899/) de Trapac, pues permite plasmar la personalidad libre de cada artista, sin límites y sin pautas. Es una idea abierta, amplia, en la que se puede indagar en el carácter de cada fotógrafo. Y, en caso de sentir especial curiosidad por alguno de ellos, siempre se puede investigar más sobre el estilo individual del artista.

(Fotografías, de izquierda a derecha: Besieged, Slimmer_jimmer; transfer1, Bingo Little; Judith, bluest_girl.)

Es curioso porque, en general, al observar el perfil de cada artista me han sorprendido de un modo peyorativo. Es decir, la exposición considero que ha formado un conjunto fuerte, creativo y expresivo. incluso si se toman muchas de las obras por separado.Sin embargo, si hubieran permanecido esas fotografías integradas simplemente junto con las demás fotografías de cada autor, la admiración que habrían causado habría sido mucho menor. Por lo que probablemente haya sido una exposición acertada que ha salvado en parte a muchas de esas fotos.

Una exposición en la que los artistas están cargados de identidad, estilo, imaginación y creatividad es “Improbable dreams”, de Solecism (http://www.flickr.com/photos/visus/galleries/72157622267274661/). Este conjunto está cargado de Surrealismo, pero con intención e inteligencia. Es la intersección entre soñar y despertar. Son fotos que rompen con lo natural y se abren a la mente y el inconsciente. Y probablemente una de las características que la dotan de mayor personalidad es el hecho de conseguir estos efectos de sueño, de irrealidad, sin un uso excesivo del Photoshop. Se trata de composiciones, superposiciones, fragmentaciones, y muchas otras técnicas que juegan con la percepción del espectador. Sin lugar a dudas, es un resultado lleno de magia.

(Fotografías, de izquierda a derecha: Sin título, ‘Vorfas; Sin título, Brianold ham; How my heart behaves, medejavecu; Through an Eye Brightly, DerrickT.)

Un tema importante en el Arte es el color. En las tres próximas exposiciones podemos ver el tratamiento de los tonos en la fotografía, y la forma de expresar un mismo color con diferentes elementos. Se trata de las exposiciones “Turquoise 4” (http://www.flickr.com/photos/23882161@N03/galleries/72157622456592598/), “Turquoise(ish) + Red” (http://www.flickr.com/photos/chrysti/galleries/72157622279767379/) y “Red” (http://www.flickr.com/photos/wurz/galleries/72157622245833229/), ordenadas algunas de sus fotografías respectivamente por columnas.

(Fotografías, de arriba a abajo por columnas: Birds 18th St, Edrewitz; Sin título, Dan’s Sordid & Sundry Pictures; Sin título, Lemon2; Japanese autumn, sato sugar; This Way, Photosapiens; U-bahn (or was it a s-bahn…), squirrelmonkey.)

Cada exposición, en función del color que predomina, transmite unas sensaciones totalmente diferentes. En el caso de las fotografías en tono azul turquesa, despiertan un sentimiento de paz, tranquilidad y estaticidad. Por el contrario, en las que aparece el color rojo, la sensación es de movimiento, dinamismo y agresividad. Es en las fotografías del medio, en las que se combinan ambos colores, donde se alcanza una sensación de armonía, en las que ambos tonos parecen complementarse llegando a un equilibrio visual.

Por último, quisiera hacer referencia a otras exposiciones online que se caracterizan no por su temática, sino por la técnica, o mejor dicho, por el tipo de fotografía o de cámaras que han sido utilizadas. Se trata de las cámaras Polaroid por un lado, y las Lomográficas por otro.

(Fotografías, de arriba a abajo por columnas: Sin título, Jostein Walengen; Light catcher, lifelovepaper; estrellita; jon madison; Day 124/365: Nostalgia, Mogsterr; Le ciel est une cime – d’où sombrent les étoiles, Amalia chimera; Blue, Supercapacity.)

Dentro de las cámaras Polaroid expongo tres ejemplos de diferentes exposiciones, en función de la composición que se ha utilizado. Se trata de “Why I Love Polaroid” (http://www.flickr.com/photos/angies/galleries/72157622376732384/), en la que se muestran fotografías sencillas en formato Polaroid, con sus tonos pastel característicos, su dulzura, y su personalidad; “A ‘holda the pola” (http://www.flickr.com/photos/carieellen/galleries/72157622408388128/), en la que las fotografías consisten en gente mezclando la realidad con una fotografía Polaroid; y “pola diptychs”, en la que aparecen varias fotografías Polaroid que en conjunto forman una imagen. En todas ellas se puede observar el encanto de este tipo de fotografía, su delicadeza, su estilo tan familiar, y lo efímeros y únicos que son los momentos.

Por último, la exposición “Lomo Exposures” (http://www.flickr.com/photos/rikkib/galleries/72157622379698507/), en la que nos muestra Rikki B fotografías realizadas con cámaras lomográficas con una característica en general, la técnica. Se trata de la superposición de imágenes, fácil de realizar en este tipo de cámaras. Consiste en realizar fotografías superpuestas, que se puede realizar gracias a que sean cámaras con carrete, que te permiten realizar fotografías sobre otras anteriores, pues puedes disparar sin correr el carrete. Además, en algunas de las fotos nos muestran las luces y el juego de colores llamativos y expresivos propios de esta corriente fotográfica, que se consiguen principalmente con láminas de colores que se colocan en el flash, consiguiendo estos efectos que apelan totalmente a los sentidos.

(Fotografías, de izquierda a derecha: –, Tartalom;  Absolution For A Dissolution, TheGlieseMantra; Ghosts landing on the sand1, Rihannon Adam; playing with the past, microabi.)

 

Cansada de que nadie me quisiera acompañar a una exposición (me fue imposible engañar a mis amigos) , me fui ayer por el centro de Valencia en busca de alguna exposición interesante. Intentando no volarme llegué hasta el Muvim. Allí fui a ver una exposición sobre árboles monumentales en Valencia: En-arborar!

La exposición trata con fotografías y pequeños textos explicativos el tema del bosque, el año 2011 ha sido su año, y debemos saber que el árbol forma parte de nosotros, y que lo debemos cuidar.

Hay cifras verdaderamente tristes que hablan de la velocidad a la que están desapareciendo los bosques por culpa de acciones humanas. La mayoría de bosques han sido transformados por nosotros, pocos lugares quedan intactos, naturales.

Dar a conocer este tema hace que se pueda llevar a cabo un proceso de protección y conservación de estos tesoros naturales que tienen más años que varias generaciones familiares de cualquiera.

La exposición se sitúa en dos plantas, aunque la superior no está bien indicada y supongo que mucha gente no habrá subido. Las fotografías están a gran tamaño, distribuidas según unas categorías; son mate y hay que verlas a cierta distancia. Cada foto tiene un pequeño texto, de algún conocido como Teodoro Llorente o del propio autor. El fondo es de color marrón claro, por lo que las imágenes, al tener gran colorido, destacaban bastante.  Además de fotografías hay libros sobre plantas, dos esculturas y un pequeño vídeo que hizo RTVV sobre los árboles monumentales de la provincia.

Os dejo una serie de las imágenes que más me han llamado la atención y alguna del lugar.

(Distribución de la exposición, vista desde la planta superior. Ana Mª Navarro, 16/12/11)

(Vista de la planta superior, Ana Mª Navarro Martínez 16/12/11)

Esta foto me gustó mucho porque no te saca el árbol, sino como podéis ver la sombra. Me pareció muy curiosa y diferente.

Un baúl con trozos de madera de distintos árboles, algunas castañas, libros y telas.

La integración de una estructura para poder sujetar el árbol a modo de escultura. Me parece una bonita forma que pasa casi desapercibida, no como esos andamios que ponen en algunos árboles.

Aunque mi compañero loquehago (de http://correveydile-arq.blogspot.com/ ) ya había puesto esta foto, quería repetirla pues es de mis favoritas. La intensidad del color, la fuerza que tiene la fotografía, aun siendo pequeñas ramas la que se muestran.

Y esta no me gustó, pues al igual que en la anterior la escultura quedaba bien integrada y tenía una funcionalidad, en este casi no me gusta el uso de esas figuras en un árbol que en su día debió de ser glorioso.

La palmera imperial, de un tronco brotan ocho brazos. La vi en persona en un viaje y me pareció impresionante. Además de todo el palmeral que hay alrededor.

En conclusión, una exposición que aunque sea de pasada y visita rápida recomiendo por las imágenes que se nos muestran y por el mensaje que queda detrás de las fotografía.

PD: no vuelvo a coger un ascensor que esté fuera de un edificio en un día de viento mortal. Eso no era nada seguro!

(Fotografía: No-desaparecer. Lucía López Hidalgo. 9 de Noviembre de 2011.)

Estas dos fotografías fueron tomadas en el puerto de Valencia, pero no se tratan de paisajes. En la Fotografía, como en las otras Artes, se establecen una serie de géneros para poder clasificar las obras. Esto es, el retrato, el paisaje, el bodegón,… Sin embargo, no siempre es fácil identificar una fotografía o una pintura con uno de ellos.

Son por lo tanto estos dos unos de esos ejemplos, pues tratándose de un paisaje o una vista urbana, el resultado no podría estar más alejado de la realidad. No sólo porque en la imagen no se pueda reconocer una vista realista del puerto, sino porque la intención al fotografiarlo, era la de alejarse de esa realidad, y expresar. Podría clasificarse dentro de la “fotografía experimental”, estilo abierto, amplio, sin límites, que permite al artista indagar y experimentar en la expresividad y las sensaciones.

(Fotografía: Explosions in the sky. Lucía López Hidalgo. 9 de Noviembre de 2011.)

En ellas, su importancia radica en la composición, en el juego de luces y sombras en su encuadre, en la simplificación de la realidad en formas, geometrías simples que expresan sensaciones y dinamizan. Son fotografías poco estáticas que buscan transmitir sensaciones, cuya idea básica es la de continuar, regenerarse, vivir y crecer, la de luchar por no desaparecer.

Para la fotografía de interior he elegido una del British Museum, en Londres.

Es uno de los edificios cuyo interior me parece más impresionante. Sobre todo el Gran Atrio de la Reina Isabel II, que constituye el núcleo central del museo, y está diseñado por el estudio de Norman Foster. El Gran Atrio se ha convertido en la mayor plaza cubierta de Europa (90 x 70m). Pero, sin duda alguna, por lo que a mí me fascina este lugar es por el techo, formado por cristal y acero, y con una geometría típica en la obra de Foster.

Techo del Gran Atrio. Cristina Ruiz. 11/08/2011

Esta fotografía me parece muy sugerente por la geometría y el juego de transparencias y color del cielo.

Y aquí una fotografía más general del lugar, donde os podáis ubicar mejor los que no lo  hayáis visitado:

British Museum. Cristina Ruiz. 11/08/2011

Aprovechando esta entrada, quería incluir también una fotografía que he encontrado al buscar las del British Museum, entre las fotos de mi viaje a Londres de este verano. Se trata de un grupo de música que toca en la calle (aunque también tengo entendido que dan espectáculos en bares y pubs). Es cerca de Columbia Road, en el barrio de Hackney, al este de la ciudad. Es la zona que más me gusta de Londres, por el ambiente que hay, entre bohemio, vintage y muy vanguardista. Uno de mis lugares favoritos entre los que he visitado hasta ahora.