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Exposiciones

Cuando estaba en 2º de Bachiller hice un intercambio con jóvenes de Noruega. Primero vinieron ellos y luego en Abril fumos nosotros. Nos pilló todo aquello del volcán, tuvimos que volver en bus y bueno, fue una gran aventura. En una de las excursiones nos llevaron al museo del premio Nóbel de la Paz. Un poco de historia del premio, de los personajes galardonados, pero sobretodo un poco de reflexión sobre nuestro mundo.

En una de las partes del museo, había unas pantallas sobre como involucrarse con la paz. Me gustó tanto que fui marcando una por una para hacerles una foto y no olvidarme de ello. Creo que es algo interesante así que os voy a dejar algunas de las imágenes y la traducción por si acaso alguien no va muy allá en Inglés.

 (Cómo involucrarme: se libre, adopta una postura, sé valiente, vive y deja vivir, comunicate, respeta a los demás, actúa, se feliz, se paciente, no pierdas la fe).
(Lo contrario del amor no es el odio, es la indiferencia)
 (A menudo es más difícil cambiar la opinión de uno mismo que mantenerla)
(La educación es el arma más poderosa que puedes usar para cambiar el mundo)
 (La felicidad no es algo ya hecho, viene de tus propios actos)
(Debemos aceptar la dececpión finita, pero nunca perder la infinita esperanza)
(No esperes a los líderes, hazlo tú solo, persona por persona)
La verdad es que da que pensar…
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En el edificio del rectorado inauguraron el pasado 16 de Diciembre la exposición “Alrededor del papel”. Doce jóvenes artistas valencianos de prestigio representan sus visiones sobre la influencia del papel en el panorama artístico valenciano actual . La exposición ha sido llevada a cabo la plataforma RoomArt, un proyecto de investigación, estudio y apoyo a las producciones artísticas emergentes impulsado por la empresa  Romeu y el apoyo del instituto de Creatividad e innovaciones educativas de la Universidad de Valencia. Esta unión es las expresión de las relaciones entre la universidad y la sociedad para promover el arte y la cultura.

Técnicas que van desde la fotografía, lápiz, collage, óleo… Cada artista tiene una parte de la sala y presenta 2 o 3 obras, que tienen que ver con un mes del año. De echo el folleto sobre la exposición es de tamaño considerable ya que al desplegarlo hay un calendario con una imagen por mes de estos artistas.

La exposición se complementa con una serie de reflexiones y valoraciones estéticas de críticos, las cuales tienen algunas un componente poético y reflejan con palabras el sentimiento del arte.

He de decir un punto malo y es que para saber el título de la obra (y bajo ponía la técnica y autor), tenías que irte lejos de los cuadros, estaba muy separado y no sabías bien qué título estaba unido a que obra. Creo que deberían haberlo puesto un poco más cerca y más claro, ya que lo de los meses me enteré por mirar el folleto, no por que lo viera dentro de la exposición. También creo que la sala es demasiado grande, y a pesar de ser muchos artistas, hay mucha parte en blanco. (Y otro punto, este algo gracioso, el guarda podría dar mejor información y no estar jugando en el ordenador como estaba haciendo).

Obras curiosas, como una que representa fotografías en óleo, pero con un toque de, en mi opinión, tenebrismo. Otras con un simple lápiz que recrean una calavera perfecta. Hay de todo.

Se me olvidó la cámara, por eso solo tengo unas fotos que hice con el móvil, así que is pongo en link de la página web del politécnico donde hay un vídeo explicativo y se pueden observar mejor otras obras.  http://www.upv.es/noticias-upv/noticia-4983-room-art-es.html

El otro día visité una exposición (también en el IVAM) que me resultó muy interesante. Es sobre el trabajo de Robert Morris, sobre la forma en que éste se expresa, a través del dibujo.

Robert Morris es un artista estadounidense encuadrado en la tradición del arte conceptual. Explora las múltiples relaciones existentes entre la obra, el artista, el público y el espacio circundante, con una especial atención al proceso mismo de creación de la obra, en el que tanto el espacio como los materiales empleados se transfiguran poéticamente. En la expresión artística recurre a la utilización de formas simples, por lo que cabe considerarlo como uno de los precursores del arte minimalista. Inicia su trayectoria en la pintura pero se traslada después al terreno de la performance, la escultura de objetos, los Earthworks (Land Art) y las instalaciones. Estuvo muy influenciado por Jackson Pollock.

Esta exposición define los dibujos de Morris como un conjunto autónomo de obras, un medio de expresión a la vez que un modo de estudiar detenidamente problemas personales y filosóficos en una especie de auto-investigación. La exposición se divide en secciones según los diferentes trabajos que ha llevado a cabo.

Land Art. Morris tiene una serie de Laberintos que considera esculturas por las que se puede caminar.

 

Earthworks. Robert Morris fue, junto con Robert Smithson, uno de los primeros artistas que utilizó la tierra como material para hacer obras específicas para una ubicación.

Rubbings (Frotamientos). Trabaja con impresiones de objetos de su estudio y, más tarde, con impresiones de su propio cuerpo.

 

Los desastres de la guerra. Basadas en Los desastres de la guerra de Goya.

Blind Time (Tiempo de ceguera). Estas obras la realiza con los ojos vendados. Una serie posterior (Grief), inspirada en los informes de tortura de Guantánamo, ilustra el intento del artista por acercarse al dolor de los prisioneros.

En cuanto al discurso expositivo, he de decir que no me agrada en absoluto que una de las paredes de la exposición sea roja. Bajo mi punto de vista, esto le quita “impacto” a la obra, a los dibujos, ya que la mirada queda embebida de este color, demasiado intenso para mi gusto. El resto de las paredes son blancas y lisas, lo que está bien. El suelo es de madera, lo que le da a la sala un aire acogedor, si bien un poco incómodo por el sonido que producen las pisadas de los visitantes. La luz es cálida, de un ligero tono amarillo, y enfoca directamente a las obras. Y, aunque no me encanta la manera en la que han enfocado la exposición (hay también muchas esquinas y recovecos), he de decir que no está descuidada.

En conclusión, decir que me ha parecido muy interesante ver cómo a través de los dibujos de una persona, puedes llegar a conocer una pequeña parte de ella. Y cómo son éstos capaces de expresar con tanta intensidad y claridad.

Quería dedicar la entrada de hoy a una exposición que visité hace unos días. Se trata de parte de la obra del pintor valenciano Salvador Montó, expuesta en la Galería Puchol. Para aquellos interesados en ir, la galería está en la calle Conde Salvatierra, 32; y la exposición del pintor estará hasta el 5 de enero. Es una exposición a la que acudí sin investigación previa del artista, y aunque en mi anterior entrada defendí la idea de que siempre es positivo investigar previamente sobre un museo o exposición, en este caso quizá el no saber nada sobre el artista resultó en una mayor impresión positiva al contemplar su obra en la galería.

Nada más entrar en la galería me encontré con un cuadro fantástico, que según me contó la dueña de la galería, acababa de ser vendido y era el último día que iba a estar expuesto. Después de ver todas las obras de la galería, éste primer cuadro fue el que más me gustó. No sólo por el propio cuadro, que personalmente me parece fascinante en todos los sentidos (color, formas, textura, tramas, tema, luz); pero también porque fue mi primera impresión de toda la obra del pintor, y un resumen de la misma.

Manhattan. Salvador Montó ©

 A lo largo de la galería encontramos distintos temas y tipos de obras. Las primeras obras que vemos, incluyendo el primer cuadro, podían estar englobados en cuadros de vistas urbanas. Montó tiene una particular fascinación por dos ciudades en particular: Nueva York y Roma. De Nueva York encontramos una enorme cantidad de obras, entre las que destacan las múltiples vistas aéreas de los rascacielos y distintos sitios y edificios emblemáticos de la ciudad americana.

Serie de Nueva York. Salvador Montó ©

También cabe destacar que parte de estos cuadros están dedicados a museos de estas dos ciudades, que son el MoMA de Nueva York, y el MAXXI (Museo de Arte Moderno de Roma). Son obras estrechamente ligadas a la arquitectura, siendo ambos edificios obras impresionantes de arquitectura moderna. El MoMA, del arquitecto japonés Yoshio Taniguchi; el MAXXI de la angloiraquí por todos conocida, Zaha Hadid.

Serie de museos: MOMA y MAXXI. Salvador Montó ©

Aunque no estaban expuestas en la exposición que visité, averigüé al llegar a casa que Salvador Montó también ha realizado una serie de estudios sobre obras del arquitecto japonés Tadao Ando, que me parecen muy interesantes también.

Serie sobre Tadao Ando. Salvador Montó ©

Siguiendo dentro de su pintura, encontramos una serie de retratos de personajes históricos: Jackie y John F. Kennedy, la actriz Liz Taylor… Son protagonistas de portadas de revistas, que se convierten en una excusa para el pintor para hablarnos de las relaciones humanas, del tiempo, la sociedad y la evolución. Todo ello conseguido a través de una influencia estética del pop art, y vinculado a elementos pictóricos que emanan de la publicidad, el arte y el diseño. Personalmente me parecen cuadros tremendamente impactantes y visualmente muy atractivos.

Salvador Montó ©

También encontramos cuadros de temática más variada, como paisajes de playa, bodegones …

Salvador Montó ©

Finalmente, en la exposición también pude ver una serie de fotografías donde el artista ha fusionado digitalmente imágenes de vistas urbanas y una serie de retratos, en un resultado muy interesante que también recuerda de alguna forma a sus propias pinturas.

Salvador Montó ©

En cuanto al discurso expositivo, creo que es bastante efectivo y acertado. El espacio expositivo es un ancho pasillo que desemboca en una pequeña sala. Los cuadros, agrupados en torno al tema de la obra, cuelgan de las paredes blancas, a ambos lados del pasillo y en la sala, permitiendo un recorrido perimetral muy cómodo a la hora de disfrutar de las obras. La iluminación consiste en unos focos que cuelgan del techo desde la mitad del pasillo y que iluminan las obras directamente.

Fotografías propias de la sala de exposición.

Sobre el autor, Salvador Montó nació en Valencia en 1963 y ha obtenido numerosos reconocimientos a nivel nacional, como el premio Caja de Madrid o el premio Osborne. También ha expuesto en numerosas ciudades europeas y americanas desde 1992. La exposición ha causado expectación porque hacía 6 años que el pintor no exponía en Valencia. Como ya he comentado, gran parte de su obra gira en torno a las dos ciudades de Nueva York y Roma, que ha visitado en numerosas ocasiones. Su obra queda englobada dentro de la neofiguración, y se caracteriza por una pintura que juega entre el realismo y las manchas de color.

Montó afirma que “la única pintura que merece ser apreciada, es la buena pintura, ya se trate de figuración o abstracción” y en ese sentido le gusta ser un pintor honrado: “Yo procuro pintar el cuadro que a mí me gustaría ver”, señala. Sus cuadros no persiguen ninguna crítica social, sino el placer estético de las formas, colores y volúmenes; aunque bien es cierto, muchas de sus obras pueden admitir distintas lecturas.

Como conclusión, diré que es una exposición que me gustó mucho, y que por ello recomiendo a todos que vayáis a verla. Quizá lo que más me gustó de su obra es el placer artístico que produce, y el hecho de que pueden ser comprendidas a distintos niveles, pero sobre todo el hecho de que es muy accesible al público, obras fácilmente comprensibles por cualquiera.

Ahora que estamos todos de compras navideñas, os aconsejo a aquellos que os encontréis por el centro, con un rato de tiempo libre, que os paséis por esta magnífica exposición.

Junto con mi amigo Miguel Perez Ramirez, acudí a una interesante exposición de Sorolla en el Museo de Bellas artes de Valencia. Nada mas entrar al museo, en una especie de patio central se ubicaban unas obras curiosas. Eran obras difuminadas, parecían que estaban sumergidas en agua. Un arte un tanto abstracto donde aparece una figura central que aparenta estar contemplando algo. En la parte inferior os dejo un ejemplo de los cuatro que hay, todos ellos con un estilo idéntico.

Antes de llegar a la sala Sorolla, estuvimos dando una vuelta por el museo. Contemplamos obras principalmente de Genero religioso. Algunas de ellas de gran formato, que representan la monumentalidad de Cristo.

 

 

Una vez adentrados en la exposición de Sorolla, nos encontramos una sala con tres temas esenciales. El desnudo, retrato y finalmente el paisaje.

 

 

En especial me gusto una particular obra, que se asemeja mucho a la “Olimpia” de Manet. El cuadro es “Bacante en reposo”. Desde mi punto de vista un cuadro muy parecido.

 

También un retrato que me llamo mucho la atención fue “La esposa del pintor”, donde Sorolla retrata a los padres de su querida esposa Clotilda, demostrándole así, el aprecio y el amor que le tenia. Un cuadro familiar de agradecimiento a sus suegros.

 

Hace ya un tiempo que había visto esta exposición de Nieves Torralba anunciada en las pantallas del autobús, pero nunca me decidía a visitarla. Así que, tras una búsqueda previa sobre la artista y la propia exposición (siempre creo que es importante informarte sobre las exposiciones que vas a ver), me armé con mi cámara, 12 capas de ropa para protegerme del frío siberiano que nos asola ahora mismo (quizá esté exagerándolo ligeramente), y me decidí a visitar la exposición.

Fotografía propia del cartel de la exposición, 17/12/2011

La exposición se encuentra dentro del Centre Cultural “La Nau”, del que hablaré más adelante. La propia muestra ocupa una pequeña sala del recinto, y es una exposición relativamente pequeña. Después de una pequeña antesala donde se nos presenta la exposición, accedemos a la sala de exposición, donde encontramos las cuatro paredes repletas de las obras. En dos de ellas encontramos los cuadros expuestos de forma habitual, con su marco y colgados. En las otras dos, sin embargo, las propias obras están pintadas directamente sobre las paredes. Como no se podían realizar fotografías de las propias obras, os pongo unas que he encontrado por internet, tanto de las obras como la propia sala de exposición.

Káktos spirallis, 2011. Nieves Torralba (c). Lápiz de grafito sobre papel. 70x50cm.

Ésta es la obra que más me gustó de toda la exposición, probablemente porque no está sujeta a la simetría tan rígida que vemos en alguna de sus otras obras. También porque visualmente fue la que más me impactó.

Nieves Torralba, 2011 (c)

Personalmente, me gustó la exposición. Me parecen pinturas tremendamente atractivas desde un punto de vista artístico, y me resultan muy llamativas las formas geométricas que resultan de las mismas. También me pareció muy interesante el juego de luces y sombras, el uso del blanco y negro, los contrastes de los tonos, y la creación de volúmenes. Son cuadros claramente inspirados en las formas de las plantas. Según pude investigar, Nieves Torralba lleva a cabo un estudio previo delante de las propias plantas, para más tarde elaborar su propia versión de las mismas.

En la línea de Henri Matisse y Paul Klee, que defendían un arte que no es ni copia, ni interpretación de la realidad; sino como una obra plástica por sí misma. Como dijo Klee, “el arte no reproduce lo visible; hace visible”. Me parece que esto es algo que la artista ha conseguido de forma espectacular, y resulta pues en un arte que no es figurativo ni tampoco abstracto, y que personalmente me parece muy singular.

Nieves Torralba, 2011 (c)

También me parecen interesantes las técnicas con las que están pintados los propios cuadros. Todos los cuadros están pintados con punta de plata o grafito, pero muchos de los resultados que vemos en la propia exposición son resultado de una impresión digital de los mismos sobre tamaños y soportes mayores. La diversidad de técnicas empleadas, incluyendo también los propios dibujos sobre las paredes, dota de una mayor riqueza artística a la exposición, sin abandonar el tema común de la exposición.

Nieves Torralba, 2011 (c)

Según explica la propia autora, y el comisario de la exposición Víctor Zarza, el título de la exposición, r, actúa como un signo, que nos introduce a un juego semántico en la percepción del conjunto artístico. “Se trata de un juego indeterminado, sugerido únicamente por ser esta letra la inicial de una serie de palabras que se van convocando (raíz, rama, rito, recuerdo, roturar…) y de cuyas múltiples connotaciones (pues tal es el ámbito de intervención de esta propuesta) la artista espera propiciar una recepción activa de lo expuesto por parte del espectador, confiando en las posibles asociaciones de toda índole (emotiva, intelectual…) que pudieran despertarse o activarse en su pensamiento.” Es decir, el objetivo de la exposición es evocar una serie de memorias en el observador, para conseguir un vínculo con él. He de decir, que personalmente, no me afectaron de tal manera las obras. Sea por la razón que sea, no consiguieron despertar en mí recuerdos ni asociaciones a antiguas memorias. Pero ello no le quita mérito a la exposición, y me siguen pareciendo obras tremendamente atractivas visualmente. Puede que otros sí que sientan esta conexión con las obras, os animo a visitar la exposición para que me contéis qué vínculo sentisteis vosotros.

Fotografías de la exposición, http://www.uv.es/cultura/c/docs/exprnievestorralba11cast.htm

Sobre el propio discurso expositivo, personalmente me pareció correcto. La iluminación constaba de una serie de focos pegados al techo, un techo bastante alto, que proporcionaba una luz directa que permitía la correcta observación de las mismas. Las paredes eran blancas, a excepción de las de la pequeña antesala, que eran de la piedra original del edificio. En ambos casos, se creaba un plano neutro sobre el que destacaban las obras.

Fotografías de la exposición, http://www.uv.es/cultura/c/docs/exprnievestorralba11cast.htm

La obra de Nieves Torralba se encuentra dentro del Centre Cultural “La Nau”, el antiguo edificio de la Universidad, que se encuentra en la Plaza del Patriarca, a escasos metros de la Iglesia del Corpus Christi que visitamos con la clase de Historia. El edificio comenzó a construirse a principios del s. XVI, pero fue destruido parcialmente durante la Guerra de la Independencia. Más tarde fue reconstruido en 1839, conservando algunas dependencias originales.

Fotografía propia del patio central, 17/12/2011

Hasta hace unos años, actuaba como universidad, pero a día de hoy es un espacio cultural que contiene numerosas exposiciones de muy diversos ámbitos artísticos y culturales. Es un edificio que está llevando un proceso extenso de restauración, tanto en su interior como fachadas. Personalmente, me gustó mucho el propio edificio, y sobre todo el patio central, con una serie de columnatas, por el cual se acceden a las distintas exposiciones. Personalmente, me pareció una exposición interesante, pero no más allá de un punto de vista gráfico; como he dicho, no me proporcionó los recuerdos y memorias que presuntamente están destinadas a producir. Sin embargo, creo que una obra de arte no tiene por qué crear este vínculo con el espectador, y no por ello ser obras de peor calidad artística.

Siguiendo con mi visita por el centro, al salir del Muvim me fui hacia el ayuntamiento para coger el bus y volver a casa, pero me encontré de frente con una pequeña galería de arte de la que no sabía su existencia. Es la galería punto. Desde fuera se podían ver diversas obras ya que la fachada es de vidrio, y me llamaron la atención así que decidí entrar.

La exposición es de SUSO33 y se titula Organismos Videográficos. Muestra una serie de lienzos, videos, ejercicios experimentales audiovisuales y de pintura. Se le podría clasificar como artista  urbano a pesar de que no es una exposición de este tipo de arte. Copiado de la web: “desarrolla diversas técnicas que le permiten crear trazos continuos de modo fluido construyendo y deconstruyendo simultáneamente, con ambas manos a la vez, generando registros gráficos, con ritmo y armonía propios, del rastro del movimiento y la acción con todo su cuerpo, dialogando con los automatismos y la aleatoriedad orgánica de la materia, como si de una forma de vida propia se tratase.”

La exposición me pareció muy interesante por la técnica, graffiti en su mayoría, y por como con unas líneas te muestra una imagen reconocible. Además había una serie de vídeos en los que podías ver como se mezcla la música, la danza y la pintura en una performance con público, juegos de luces y mucha acción, es arte en movimiento. Además en algunos casos hace críticas sociales muy buenas. Ha realizado el videoclip de la canción “Los elegidos” de Nach feat khenaton y Talib Kweli.

He de nombrar que cuando fui también estaba el autor de las obras, aunque no pude preguntarle nada porque estaba hablando con una chica que sería alguien responsable de la galería.

Si buscáis un poco en Internet, tanto en google imágenes como en su propia web os sorprenderéis.

Os dejo alguna fotografía de la exposición y un vídeo en el que se puede ver como realiza alguna de sus obras.

Fotografías de lugares donde ha dibujado esa forma, las figuras en marrón son de acuarela y el grande es graffiti.

El de la izquierda me gustó especialmente, en la base con gris claro dice conceptos, encima y más oscuro discrusos, luegi pone palabras y en negro y en el medio, blabla. Creo que sin más se ve la crítica