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Arte como inspiración

Con la vuelta de las vacaciones vuelve la actividad al blog.

Encontré de alguna forma una página en la que se dan a conocer las 100 mejores obras de arte urbano a lo largo del 2011. Aunque en realidad hay 103. Graffiti, legos, o cambiar alguna tontería de  lo más cotidiano. Da igual, el objetivo es crear arte. Pero en mi opinión el arte urbano tiene un gran componente de crítica. A la sociedad, a lo serio, a lo gris, a lo que hacemos con el mundo.

El arte urbano le da un toque al lugar en el que está que no tiene descripción. Ir paseando y ver alguna de estas imágenes en realidad a mí me sacaría una sonrisa en estos días. Porque con simples detalles, quizás no se pueda cambiar el mundo, pero sí el mundo de alguna persona.

Os dejo algunas fotografías y el link a la web, para que veáis el resto de obras, ya que todas merecen la pena. [http://entretenimiento.terra.com.mx/cultura/las-100-mejores-obras-de-arte-urbano-de-2011,8bccdf8906094310VgnVCM4000009bf154d0RCRD.html]

James Blake es un productor, compositor y cantante británico de música electrónica. Se trata de un artista joven pero, en mi opinión, con mucho futuro por delante. Su música, calmada, pacífica, cargada de expresión, consigue introducirse en lo más profundo y fluir, hacer vibrar, aliviando la mente de pensamientos negativos.

Sin embargo, esta entrada no es sólo una recomendación de su música, pues no era eso sólo lo que me llamó la atención. En primer lugar, fue la portada del disco que lleva su nombre, y posteriormente el videoclip de la canción “The Wilhelm Scream”. Encontré una clara inspiración en dos corrientes artísticas.

(Versión de la portada del CD de James Blake)

Por un lado es clara la influencia de una técnica del Futurismo, el Dinamismo plástico. Ésta consiste en la representación en una única imagen de las diferentes fases del movimiento de uno o varios elementos. Da así la sensación de dinamismo, energía, intensidad. Por otro lado está el juego de colores propio de la Lomografía, corriente fotográfica experimental.

Estas inspiraciones pueden verse además en el videoclip de la canción “The Wilhelm Scream”. Es curioso que este dinamismo no sea palpable sólo en las imágenes, sino en el sonido, que genera un coro de voces, un eco de “gritos”,…

Además, ya no como relación artística entre la pintura, fotografía y música, sino como recomendación musical, quiero compartir otra de sus canciones, “Limit to your love”, la cual considero una de sus mejores.

Es por lo tanto una sugerencia musical, una búsqueda de un vínculo entre dos Artes y sus posibles influencias, pero sobre todo un “grito de Wilhelm”, una súplica de paz y tregua para que su música nos traiga paz y calma en un momento en el que los pensamientos negativos parecen no poder fluir…

Al buscar un ejemplo del arte en la publicidad encontré un vídeo que para mí (por mi afición al cine) ha dado lugar a una de las entradas más emotivas que he hecho hasta ahora. Se trata del anuncio de Freixenet del año 2007, dirigido por Martin Scorsese, La Clave Reserva (The Key to Reserva).

Os dejo el enlace, pues la versión de Youtube tiene censurado el volumen.

http://www.scorsesefilmfreixenet.com/video_esp.htm

Este anuncio es un homenaje al ‘maestro del suspense’, el gran director Alfred Hitchcock, del que soy una gran admiradora. Así aprovecho esta entrada también para hablar de una de mis hobbys, el cine.

Para hacer homenaje a Hitchcock, Scorsese hace referencia de una forma muy elegante y respetuosa a muchas de sus películas. Después de verlo numerosas veces y de investigar, os dejo con algunas de las más significativas, sobre todo para mí, pues son películas muy conocidas y que he visto, algunas de ellas incluso en varias ocasiones, como es el caso de Con la muerte en los talones, La ventana indiscreta y El hombre que sabía demasiado. Las nombraré por orden de aparición en el spot publicitario.

En primer lugar, los títulos de crédito ya son homenaje a Con la muerte en los talones (North by Northwest), como podéis ver en las siguientes imágenes.

El lugar en el que se desarrolla el anuncio es el mismo que el del concierto de la película El hombre que sabía demasiado, el Royal Albert Hall de Londres.

Asimismo, en esta misma película el protagonista, James Stewart, sube apresuradamente por las escaleras de este teatro, de la misma manera que lo hará Simon Baker en el anuncio.

Scorsese también hace referencia a la película Encadenados, pues en ambos una llave es el medio para conseguir la botella deseada.

Es curioso también cómo las iniciales sobre el pañuelo que emplea para desenroscar y romper la bombilla sean las mismas que las del de Cary Grant en Con la muerte en los talones, R.O.T.

Además, el modo en que intentan eliminar al protagonista recuerda al que tiene lugar con Grace Kelly en Crimen Perfecto.

Otro momento calcado de una película de Hitchcock, La ventana indiscreta, es el de la caída libre de un cuerpo. En ambos el individuo aparece en una posición muy similar.

El ‘TOP SECRET’ que aparece en el tapón de la botella hace referencia a la película antes mencionada Encadenados, pues en ambas la botella esconde un secreto.

Otro guiño es el personaje que aparece al final del spot, el detective, cuya imagen recuerda mucho a un personaje de Con la muerte en los talones.

Como referencia también a esta película, los protagonistas del spot recuerdan, por su caracterización y vestuario, a Cary Grant y Eva Marie Saint. En la escena del brindis se aprecia claramente esta analogía.

Como última referencia, quería hacer notar el gran homenaje que hace en las últimas escenas a La ventana indiscreta y a otro clásico del cine de Hitchcock, la película Los pájaros.

También quería mencionar que la música del anuncio es del compositor Bernard Herrmann, autor de las bandas sonoras de la mayoría de las películas de Hitchcock.

Por último, el guión del anuncio, simula que Scorsese se ha encontrado un guión por filmar de Hitchcock en el que falta una página, y que él se propone grabarlo respetando esa ausencia.

En resumen, creo que es un gran spot, como corresponde a un gran director, Martin Scorsese. ¡Espero que os guste!

Hoy mi hermana me ha dicho de decorar la casa con cosas de Navidad. Ella es mayor que yo y ya hace tiempo que perdió esa ilusión, por eso le he dicho enseguida que sí.

Buscando cosas que colgar en el árbol y por casa he encontrado unas figuritas que hice cuando tendría unos 11 años, las de cerámica, y unos 13, las de corcho. Me parece muy graciosa la cara del ángel del medio, y recuerdo que lo hice muchísimas ganas. Entonces me parecían preciosos, ahora es más gracioso que otra cosa, pero bueno, representan una etapa muy bonita y que echo de menos. Los de corcho se notan más es el esmero y que iba aprendiendo. Recuerdo que tuve que practicar mucho para tener pulso y poder hacer la línea del ojo del ángel.

Ahora que llegan estas fechas nos hacemos propósitos para el año nuevo, que muchas veces no cumplimos, pero que nos gusta soñarlos. Yo para este año que viene tengo dos muy importantes para mí, uno es no perder la ilusión por nada, y el otro volver a pintar.

¿Y vosotros?

Julieta Anaut (http://www.julietaanaut.com.ar) es una artista que nació en Río Negro, en 1983. Su Arte, aunque difícil de clasificar, se basa en la fotografía fusionada con el dibujo y la pintura mediante técnicas digitales (fotografía con intervención digital).

De entre toda su obra, la colección que me ha parecido más interesante es “Ofrendas”, una serie de autorretratos, cuyo estilo no puede definirse de mejor forma que con sus propias palabras:

Me retrato sumergida en una naturaleza recreada, intento unirme a la tierra y al cielo por medio de un reflejo, como una mimesis que enaltece aquello que imita. Me invento en fotografías como una figura coronada de pájaros, crecida de un agua que alimenta a peces y hasta he tenido cuerpo de enredadera como una mujer en constante mutación, ser que genera vida en un despertar o florecer, que deviene en frutos o semillas.

Mis creaciones son elementos gestuales o simbólicos de una relación con el entorno: rodeada de la naturaleza, espacio de donde surgen las metáforas que me visten, o de pie, frente a grandes edificios que cubren esa tierra y ese cielo, adornada de mis pequeñas construcciones de materiales frágiles. Sostengo ramas de plástico o flores de tela, que recuerdan a las verdaderas, esas que están lejanas, las mismas que en este ritual son adoradas.

Como la pequeña Ofelia, coronada de hierbas, que río abajo abre sus manos en un gesto de ofrenda y suelta sus trofeos vegetales, “a flote como una sirena, o como criatura natural de ese elemento”, precipitándose en agua como en la vida. Razón perdida, lucha entre lo real y lo ideal…

En concreto quiero destacar dos fotografías que considero inspiradoras, equilibradas, naturales, con una representación cargada de dulzura, a pesar de tratarse de una muerte.

(Fotografía: Ofelia en el cristalino arroyo. Julieta Anaut. 2008)

(Fotografía: Ofelia. Julieta Anaut. 2008)

Su obra me resulta inteligente, premeditada, fundada en el conocimiento y la cultura de otras artes. Parece estar influenciada por Frida Kahlo y Ana Mendieta, entre otras artistas femeninas. Lo que sí está clara es su inspiración en la obra de John Everett Millais, que recibe el mismo nombre, Ofelia. Es una reinterpretación de una maravillosa pintura en el campo de la fotografía, en mi opinión, totalmente acertada.

(Ofelia. Everett Millais. 1852)

La Ofelia de Everett Millais, así como muchas otras pinturas de la misma temática, están inspiradas a su vez en el personaje Ofelia de la obra de teatro Hamlet, de Shakespeare.

Ofelia es, por lo tanto, un personaje ficticio. Se trata de una joven de la nobleza de Dinamarca, hija de Polonio, hermana de Laertes y amada de Hamlet. Este cuadro, y como consecuencia, las fotografías de Julieta Anaut , representan el instante de su muerte. Ella, tras subirse a un sauce del cual se rompe una rama, cae al arroyo, muriendo así ahogada.

Hay una empresa de comunicaciones llamada AT&AT que realizó una campaña de publicidad basada en manos pintadas con motivos de distintos países. Su fin era dar a conocer que su empresa se mueve al rededor del mundo y que funciona vaya donde vayas. Creo que las distintas imágenes llevan un estudio de elementos característicos del país que se esté representando, así como una puesta en marcha impresionante, pues el resultado final a mi parecer es una pasada. Y además pienso  que la finalidad del anuncio se consigue por completo.

Por otra parte, he investigado un poco y aunque pueda parecer photshop la pintura es real, las manos fueron fotografiadas y un poco retocadas, pero lo que es el carácter y el dibujo es sí no es producto del ordenador, el pintor fue Guido Daniele, un artista especializado en la pintura del cuerpo y de las manos. Un artista que es capaz de recrear la verdadera naturaleza en una mano. La entrada en principio iba sobre la publicidad pero en cuanto he buscado he descubierto un gran artista, al que le dedicaré una entrada entera. Ahora os dejo las imágenes que me llamaron la atención y que me han hecho descubrir a este pintor.

Quiero dedicar esta entrada a hablar de la relación que existe entre muchas portadas de discos de vinilo y obras de arte. Es conocido que muchos artistas se han inspirado en obras existentes previamente al realizar el diseño de las portadas, pero no es este el caso que me gustaría tratar. Más bien quería hablar de portadas de discos que han sido realizadas expresamente por artistas de reconocido prestigio con esa única finalidad. Muchas veces esta unión es consecuencia de la amistad existente entre el pintor y el músico.

Empezaré por citar algún ejemplo muy conocido, como es el caso del disco de The Velvet Underground & Nico 1967, diseñado por el famoso pintor del Pop, Andy Warhol.

 

(The Velvet Underground & Nico, 1967. Andy Warhol)

Otros dos ejemplos más recientes son Potro de rabia y miel de Camarón, 1991, obra del mallorquín Miquel Barceló; y Best of Blur de Blur, 2000, del artista londinense Julian Opie.

 

(Potro de rabia y miel, Camarón, 1991. Miquel Barceló)

(Best of Blur, Blur, 2000. Julian Opie)

Pero el caso que más me interesaba tratar por proximidad geográfica y sentimental (en el sentido de conocerlos por haberlos tenido y escuchado en casa) es el de dos artistas de la Nova Cançó, que para aquellos que no lo conozcan fue un movimiento musical que surgió durante el Franquismo para reivindicar el uso del catalán y protestar contra las injusticias de la dictadura. Los dos artistas a los que me refiero son el valenciano Raimon y la mallorquina María del Mar Bonet.

En lo referente a Raimon quería mencionar tres portadas muy conocidas que fueron realizadas por dos de los pintores españoles más importantes del siglo XX, Joan Miró y Antoni Tàpies. Así, Joan Miró diseñó las portadas de Cançons de la roda del temps, 1966 y Quan l’aigua es queixa, 1979; mientras que Tàpies realizó el diseño de Per destruir aquell qui l’ha desert, 1970.

(Cançons de la roda del temps, Raimon, 1966. Joan Miró)

(Quan l’aigua es queixa, Raimon, 1979. Joan Miró)

(Per destruir aquell qui l’ha desert, Raimon, 1970. Antoni Tàpies)

Respecto a la cantante Maria del Mar Bonet quería nombrar su tercer trabajo realizado en 1974 y que lleva el título de su propio nombre, que fue diseñado por Joan Miró y está considerado como una de las obras maestras del diseño discográfico español.

(Maria del Mar Bonet, 1974. Joan Miró)